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今天我们继续参观芝加哥艺术学院博物馆。关于西方现当代绘画，主要的流派、主要的艺术家等等，在将来的节目里我会专门详细讲，今天就不展开了。博物馆里现代当代的绘画作品，大约有30多个展厅，在博物馆推荐的12件艺术品中，现代当代作品就有5件，其中也包含了美国画家的作品，我们还是按作品的时间顺序来浏览。
首先是推荐的第7件作品，一幅画叫《美国哥特式》，American Gothic，是美国画家格兰特·伍德在1930年代的代表作。《美国哥特式》这幅画对于美国和美国人来说非常重要，它曾被看作是一种美国的文化现象，它和另外四样东西，被当作美国的文化象征，或者文化符号，它们就是自由女神像、芭比娃娃、野牛镍币、和山姆大叔。
画家格兰特·伍德曾经到德国，对那里的哥特式建筑非常着迷。后来1930年他在美国爱荷华州的一个小镇上看到一栋哥特式风格房屋，这栋房子叫做哥特式木匠，Carpenter Gothic，这是1880年代非常流行的建筑式样，伍德完全被它所吸引了，还拍了照片。回到画室以后，伍德开始构思一幅画，他想象画中要有人物，最好是一个农夫和他的女儿站在房子前面。于是伍德分别请了他的60多岁的牙医，和他的妹妹来当模特，两个模特还穿上了维多利亚时代的衣服。画面中两个人是站在一起的，但是绘画的时候却是两个人分别先后当模特画的，并不是同时站在一起画的，两位模特在作画的时候没见过面。
伍德想，住在这样的房子的人应该怎么称呼他们呢？干脆叫“美国哥特式人”，American Gothic people吧，所以就把这幅画命名为美国哥特式，American Gothic。伍德把这幅画送到芝加哥艺术学院参加画展，虽然饱受争议，但最终参展并获得三等奖和300美元的奖金，意想不到的是《美国哥特式》从此脱颖而出。
画面中，背景是那栋哥特式的房子，农夫和他的女儿在前面，占了整个画面的绝大部分。农夫眼睛平视前方，表情严肃，沾满泥巴的手上握着一把钢叉，当时美国社会仍是以农业为主，画作象征着农民勤奋耕作的精神，同时也象征着男权社会中男性不容置疑的权威和力量。
画中的女性，穿着典型的维多利亚时代的衣服和配饰，表情也是不苟言笑，她的身体稍微站在男性农夫身后，眼神也偏向农夫，似乎是在看着农夫，整个形象寓意着女性严谨、矜持、为男性是从，这是当时社会女性的美德，甚至有人说她使人联想起了《简·爱》。
1930年前后的美国，正是股票市场崩溃、银行倒闭、经济大萧条的时期，整个美国都弥漫着绝望的氛围，美国人非常需要重新找回自己的价值。《美国哥特式》被当时美国媒体报道以后，引发了巨大的热议，先是针对这幅画本身的，比如画中的人物关系倒是应该是父女呢，还是夫妻，或者是别的关系。如果是父女，那么是不是一位会赶走女儿追求者的恶狠狠的父亲呢，这幅画到底是讽刺美国农村和农民呢，还是歌颂美国农民的道德品质呢。后来民众的大争论已经不局限在画作本身了，比如讨论美国农村问题，美国农村到底是不是很落后，是不是倒退了，甚至美国农业、农民该怎么怎么样……等等。
画家伍德本人很聪明，他不只是个杰出的画家，还是个优秀的销售员，特别善于在这种备受争论的社会环境中推广自己的作品。每当被问到画中人物到底是什么关系的时候，伍德总是不给出确定性的答案，因为他知道，保持争论才能让他的画保持热度。基于当时的社会背景，这幅画引发的社会文化现象，《美国哥特式》成为了美国文化的重要符号。大家在博物馆要特别关注一下，值得跟这幅画同框留影。
关于这幅画，再补充一点，过了12年以后，1942年，画中的两个模特有幸会面了，并且两个真人站在一起和这幅画拍了照片，我从博物馆的官网找到了1942年的这张照片，大家一起看看吧。画中农夫的扮演者，也就是画家的牙医，其实是一位慈祥的老先生；而画中女儿的扮演者，也就是画家的妹妹，非常年亲、漂亮、时尚，还有一头波浪形的卷发。
20世纪的二、三十年代，在纽约兴起了哈林文艺复兴(Harlem Renaissance)，就是美国现代历史上著名的、纽约哈林区黑人为主发起的黑人文化觉醒运动，从黑人文学开始，扩展到黑人音乐、政治和社会生活的很多方面。有一位非洲裔的芝加哥画家，名字叫默特利(Archibald John Motley Jr.)，他曾是芝加哥艺术学院的艺术专业的第一批黑人学生，受过严格的专业训练，学习认真刻苦，善于观察和思考。默特利最终在哈林文艺复兴运动中成就了他的艺术事业。
博物馆推荐的第8件艺术品，就是莫特利1943年的作品，名字叫《夜生活》，Nightlife。画面中表现的是一家酒吧夜总会的场景，人们有的喝酒，有的跳舞，热烈欢快，充满无限的活力，这也是这幅画最大的感染力。大家可以留意画中顶部的位置，酒吧吧台的顶部有个挂钟，时间是一点，指的是夜里一点，这正是酒吧里最热闹的时候。画面的右侧还有一架自动点唱机，这算是当时的时尚装备了，自动点唱机在后面的节目还会讲到。
看完热烈的画以后，来看一副安静的，博物馆推荐的第6件艺术品，名字叫《云上苍穹》，Sky above Clouds IV，是美国女画家乔治娅·奥·吉弗(Georgia O'keefee)在1960年代的作品。这幅画是横幅长条形的，画幅宽度的尺寸很大，它不在展厅里面，而是挂在博物馆楼梯旁的墙上。吉弗这位女画家在20世纪初就已经成名，她的画主题宏大，画面结构简约，线条精准，色彩应用非常有张力，她是成功女性艺术家的代表。
吉弗七十岁的时候，第一次坐飞机，她在空中看到了地面，看到了云彩，她被这种壮观的景象震感了，于是开始构思创作关于云主题的画。博物馆里的这福画是吉弗《云上苍穹》系列作品中的最后一副，也是尺寸最大的一副，大家看看，艺术家坐飞机看到的、想到的云有什么与众不同呢。
接下来要欣赏一副“看不懂”的画了，就是博物馆推荐的第11件艺术品，名字叫《城市景观》，City Landscape，它是芝加哥抽象主义画家琼·米歇尔(Joan Mitchell)1955年的作品。琼·米歇尔也是一位女性画家，大家可能没听说她，但是她的前夫应该是有所耳闻的，就是赫赫有名的美国前任美联储主席格林斯潘。
抽象主义是20世纪，在野兽派、立体主义、表现主义之后的又一种艺术流派，它的创始人、代表人物是俄国画家瓦西里·康定斯基(Vasily Kandinsky)。这一派艺术家们喜欢通过抽象的线条和色块来表现情感。抽象主义，听名字就知道画面肯定很抽象，也就意味着比较难懂。博物馆里有康定斯基的画作。不过博物馆推荐的抽象主义作品，还是选了一位芝加哥画家的作品，就是这幅《城市景观》。
这幅画给一般观众的第一感觉就是，这哪是艺术品呀，简直就是乱涂乱画嘛。不过评论家说，米歇尔使用颜色的方式是喷发式的，非常有冲击力，表现了大都市的活力与激情。我们先跟随艺术家的感觉来体会体会吧，关于这类画作，我在将来的节目会专门讲。
博物馆推荐的第12件艺术品，也是当代画作，《利兹3号》，Liz #3，这是波普艺术家安迪·沃霍尔(Andy Warhol)1963年的作品。什么是波普艺术呢？波普艺术，英文是 Pop Art。Pop 就是 Popular 普及的通俗的这个单词的缩写，波普艺术就是普及艺术、通俗艺术的意思。前面讲过的各种艺术流派，大多是所谓的精英艺术，被当成所谓的高雅艺术，而波普艺术则是老百姓的艺术，是在街头巷尾就能见到的艺术。
波普艺术产生在20世纪50年代的英国，代表性的画家有汉密尔顿等人。他们把街头垃圾制作成艺术品，比如汽水瓶、罐头盒、废弃的海报、广告牌、甚至旧纸箱、垃圾桶、破床单等等，这些东西被艺术家们精心装点修饰一番后，都可以成为波普艺术品。到了20世纪60年代，波普艺术在美国流行起来。安迪·沃霍尔就是美国最有代表的波普艺术家，其实他的身份比较多样，除了是波普艺术的领袖，他还是电影制片人、摇滚音乐人、作家、出版商、广告商、和电视节目中的超级明星。
1962年，玛丽莲·梦露自杀，引起巨大轰动，安迪·沃霍尔在1967年创作了《玛丽莲·梦露》的头像，这是一种纸上丝网印刷画，作品名噪一时，成为波普艺术的经典。博物馆里推荐的这幅作品，也是一位女性头像，不过她不是玛丽莲·梦露，那么她是谁呢？她是美国电影明星伊丽莎白·泰勒(Elizabeth Taylor)，泰勒的别名叫利兹(Liz)，而这幅画是十三幅头像系列作品中的第三幅，所以名字叫《利兹3号》。这里要提醒大家留意区分一下头像的人物，芝加哥艺术博物馆的这幅头像是伊丽莎白·泰勒，不是梦露。
博物馆里还有一些画作非常值得欣赏，抽象主义康定斯基的作品，比如《即兴》(Improvisation)等等。比利时超现实主义画家雷内·马格利特(Rene Magritte)的画作，《在自由的门槛上》，On the Threshold of Liberty，等等。另外有几幅画真是太让人意外了，比如其中一幅画，名字叫Brilliant Yellow #9，画面上是一片空白，只有四周有一条黄色的粗线，这是一位美国艺术家乔·贝尔(Jo Baer)在1965年创作的。
看了这么多的艺术品，我自己突然也有一股艺术创作的冲动。我站在展厅里像窗外望去，正好看见博物馆北侧市区的摩天大厦，我在大玻璃窗前拍了一张照片，突然，就在那一瞬间，我意识到，应该隔着窗户的纱帘拍照，于是我有立刻拍了一张隔着纱帘的照片，这下我终于捕捉到了灵光一现，请大家看文稿里最后两张照片，我给这幅作品起个名字叫做“千禧公园的星期六上午”。听到此处应该有笑声，呵呵。
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李姐_x0
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